Grille horaire

Avec Madama Butterfly, Puccini a brillamment dépeint la fragilité d’une geisha qui croit naïvement que le séduisant officier de marine nord-américain dont elle est éprise lui rendra son amour. L’agréable musique de Puccini évoque des mélodies traditionnelles japonaises. Malgré le fiasco de la première de l’opéra à Milan, le compositeur a continué de présenter cette pièce qu’il considérait être son œuvre la plus sincère et la plus expressive. Le temps lui a donné raison. Le metteur en scène Mario Gas transpose l’histoire dans un studio de cinéma des années 1930 et raconte ce drame émouvant selon trois perspectives : l’opéra lui-même, le film qui en est tiré et sa projection en noir et blanc sur grand écran. La pièce a été présentée au Teatro Real de Madrid en 2017. Marco Armiliato y dirige l’orchestre et le chœur du Teatro Real, et les solistes Enkelejda Shkosa, Jorge de León, Angel Odena, Francisco Vas, Tomeu Bibilioni et Fernando Radó.

Chaque été à la Waldbühne, l’Orchestre philharmonique de Berlin livre un splendide concert classique en plein air. Mettant en vedette le jeune chef d’orchestre letton Andris Nelsons et le premier violon Daishin Kashimoto, l’édition 2012 de la Waldbühne célèbre la musique de Tchaïkovski. Au programme : La Cinquième Symphonie en mi mineur, la Sérénade mélancolique en si bémol mineur, la Valse-scherzo en do majeur, op. 34, Souvenir d’un lieu cher, op. 42, et l’Ouverture solennelle 1812, op. 49. Fidèle à la tradition, le Berliner Philharmoniker conclut le concert avec le Berliner Luft de Paul Lincke.

Lars Vogt est le soliste dans une performance du Concerto pour piano n° 1, Op. 15 de Ludwig van Beethoven. L'Orchestre de Paris est dirigé par Herbert Blomstedt. Enregistré à la Salle Pleyel à Paris en 2013. Beethoven composa cette œuvre en 1795. Bien que listé comme étant son premier concerto, il a été écrit plusieurs années après son Concerto pour piano n° 2. Le premier concert pour piano a été publié en 1801 et a assimilé les styles des prédécesseurs de Beethoven, Mozart et Haydn. Vogt termine le concert avec deux rappels : la Valse Op. 38, n° 15 de Brahms et le nocturne no 20 en do dièse mineur, op. posth de Chopin. Ce dernier a été composé en 1830 mais publié pour la première fois en 1870, 26 ans après la mort du compositeur. Il est dédicacé à la sœur de Chopin, Ludwika. L'œuvre gagna en popularité depuis qu'elle figure dans le film de Romain Polanski Le pianiste(2002), où elle est jouée par le protagoniste Władysław Szpilman.

L’orchestre symphonique flamand « deFilharmonie » se spécialise dans la pratique d’exécution historique de plusieurs styles de musique classique. L’orchestre a un caractère unique, avec plusieurs chefs d’orchestre, dont le maestro néerlandais Edo de Waart et le Flamand Philippe Herreweghe. Le dernier se concentre sur la musique (pré-)romantique. Grâce à des séries de concerts uniques, tant en Belgique qu’à l’étranger, l’orchestre occupe une place spéciale dans le paysage culturel belge. L’une de ces séries était adressée à un public plus jeune. Sous la baguette de Rudolf Werthen, l’orchestre a interprété des œuvres célèbres. L’une de ces œuvres était la suite « Casse-noisette », extraite du ballet du même nom de Tchaïkovski. La petite Clara reçoit un casse-noisette de Drosselmeyer, son oncle mystérieux. Quand elle s’endort, le jouet prend vie. Il est immédiatement attaqué par une horde de souris. Clara sauve sa vie en jetant sa chaussure sur les souris et le casse-noisette l’emmène dans un voyage magique.

Après plus de 30 ans au sommet, l’Ensemble Daedalus fait ses adieux à la scène en bonne et due forme avec un concert mémorable. Le chef d’orchestre de l’ensemble, Roberto Festa, est parti à la recherche d’œuvres qui refléteraient parfaitement son parcours au cours des trois dernières décennies. Mettant en scène des chansons de carnaval italiennes et des morescas de compositeurs de la Renaissance tels que Barbetta, Banchieri et Falconieri, cet au revoir se veut d’abord et avant tout une grande fête avec – fidèle à la tradition – des musiciens de premier ordre, notamment son compagnon de voyage Marco Beasley.

Dans l’impressionnante Jacobikerk, l’église Saint-Jacques d’Utrecht, l’artiste en résidence Marco Mencoboni fait scintiller le magnifique Requiem de Francesco Durante grâce à la participation d’un orchestre complet, de solistes, de deux chœurs et d’une paire de cors d’harmonie. Mettant en lumière le contrôle vocal saisissant de la soprano Valentina Mastrangelo – étoile montante du bel canto –, ce concert était le moment fort du Festival Oude Muziek d’Utrecht, en 2019.

Les ducs de Bourgogne étaient des amateurs de musique, d’art, de gastronomie et de la beauté sous toutes ses formes. Mais à l’opposé, ils étaient aussi des politiciens stratégiques à la grande soif de pouvoir, qui élargissaient constamment leur influence et leur territoire. À la tête de la cour la plus prospère de leur époque, ces quatre ducs ont laissé une marque indélébile sur une période qui tirait alors à sa fin : l’automne du Moyen Âge. Dans le documentaire The Burgundian Life, Frits van Oostrom, Paul Van Nevel et Onno Kleyn racontent l’histoire des Ducs de Bourgogne.

Fabio Luisi dirige l’Orchestre symphonique national du Danemark sous une interprétation du Concerto pour cor no 1 de Strauss. Cette œuvre est l’un des plus populaires concertos pour cor du 19e siècle, de même que l’un des plus souvent interprétés. Il s’agit également de la première composition pour orchestre de Strauss destinée à cet instrument. Le père de Strauss, Franz, était une virtuose du cor et l’un des plus grands interprètes de son époque. Ce programme présente aussi l’immortelle Symphonie no 7 de Beethoven et Verklärte Nacht, composée par Schoenberg à ses débuts. Le soliste du concerto de Strauss est le virtuose joueur de cor principal de l’OSND, Lass Mauritzen. Cette performance a été captée au DR Koncerthuset de Copenhague, au Danemark, en 2017.

Olivier Latry, organiste titulaire actuel du Grand Orgue de Notre-Dame, présente les rouages de son instrument unique aux spectateurs dans le cadre d’un voyage stationnaire à travers paysages, histoire et aventures incroyables. Au-delà de sa fonction religieuse originelle, le grand orgue conçu par Cavaillé-Coll a captivé les compositeurs de toutes les époques et témoigne d’une modernité absolue. Olivier Latry est considéré comme l’un des plus grands organistes de sa génération, tant en France qu’à l’étranger. Il se considère comme un ambassadeur de la musique française du 17e au 20e siècle, ainsi qu’un défenseur de l’art de l’improvisation. Ce documentaire comprend le Boléro de Pierre Cochereau, Carillon de Westminster et le scherzo de la Symphonie no 2 de Louis Vierne, la Sonate no 1 d’Alexandre Guilmant, la Symphonie gothique de Charles-Marie Widor, Cortège et Litanie de Marcel Dupré et Passacaille et Fugue de Jean-Sébastien Bach.

En 1722, alors que Johann Sebastian Bach habitait à Köthen, en Allemagne, il a publié un recueil de préludes et de fugues dans chacune des 24 tonalités majeures et mineures. Cette collection a été appelée Le Clavier bien tempéré, livre un, BWV 846–869. Environ deux décennies plus tard, Bach a compilé un deuxième recueil du genre à Leipzig, qui a été appelé Le Clavier bien tempéré, livre deux, BWV 870-893. Bach a composé ces pièces pour un « clavier » générique, pouvant comprendre le clavecin, le clavicorde, ou l’orgue. Malgré cette imprécision, ces pièces sont généralement reconnues comme certaines des œuvres les plus importantes de l’histoire de la musique classique occidentale. Dans cette diffusion, Angela Hewitt joue les préludes et fugues nos 13 à 24 (BWV 882-893) du deuxième livre du Clavier bien tempéré de Bach, enregistrées à Wartburg in Eisenach, en Allemagne, en 2010.

Rachmaninov - Symphonie no 2, op 27, Orchestre philharmonique de Berlin

Le 8 mai 2020, la soprano Jacquelyn Wagner et la pianiste Zlata Chochieva se sont produites sur les planches du pavillon Schinkel de Berlin. Le programme du concert comprend Wesendonck Lieder, WWV 91 et l’Élégie pour piano de Wagner, et deux pièces de Gustav Mahler : le Menuetto tiré de la Symphonie no 3, arrangé pour piano solo par Ignaz Friedman, et Lieder eines fahrenden Gesellen.

D'oeuvres: Andante lagrimoso, S.173/9, Étude d'exécution transcendante No. 12, S.139/12, Bénédiction de Dieu dans la solitude, S.173/3. Peter Klimo a étudié le piano à l’École de musique Eastman de New York avec Nelita True, à l’École de musique de l'université Yale de New Haven avec Peter Frankl et à l’Université chrétienne du Texas avec Tamás Ungár. Peter Klimo donne des récitals, accompagne des chanteurs de lieder et joue avec des ensembles de musique de chambre. Sa prestation lors d’un cours de maître avec Graham Johnson lui a valu des cours privés en musique de chambre et en accompagnement de lieder avec Jean Barr. En 2011, il a remporté le premier prix au Concours de concertos pour piano Eastman ; en 2012, il a gagné le second prix (catégorie : accompagnateur au piano) au Concours de lieder Jessie Kneisel, organisé chaque année par l’École de musique Eastman. Peter Klimo s’est produit au Kennedy Center de Washington et à de nombreux festivals, dont le Festival de piano international Dakota Sky.

L’opéra La Cenerentola de Gioachino Rossini, dont le libretto est signé Jacopo Ferretti, a été présenté pour la première fois en février 1816 en réponse au succès de la pièce Il Barbiere di Siviglia. Comme ce fut le cas pour son prédécesseur, cet opéra a reçu un accueil quelque peu hostile lors de sa première, mais a rapidement connu une popularité croissante dans les théâtres d’Italie et à l’étranger. Évoquant un certain esprit de fraîcheur et de légèreté, l’ouverture de La Cenerentola est l’un des airs les plus connus de Rossini. L’originalité de la pièce réside dans le contraste marqué entre la tendresse de l’héroïne et le côté sentimental de l’histoire, et la virtuosité incroyable et le sens de l’humour débridé de Rossini. Présentée en 2015, cette performance de La Cenerentola de Rossini met en scène l’orchestre de Bretagne et le chœur de l’Opéra des Rennes, sous la direction de Darrell Ang. Les solistes sont José Maria Lo Monaco, Daniele Zanfardino, Marc Scoffoni et Bruno Pratico.

La cinquième symphonie de Bruckner a été surnommée la « médiévale » en raison de ses textures sonores contrapuntiques, baroques et à plusieurs niveaux, mais aussi la « catholique » en raison de sa majesté solennelle. Si ces attributs correspondent parfaitement à l’œuvre, Bruckner lui-même l’a plutôt surnommée sa « Fantastique », ce qui est encore plus vrai lorsqu’elle est jouée au monastère de Saint-Florian, comme sur cet enregistrement. Ce n’est pas sans raison que Bruckner a également appelé sa cinquième son « chef-d’œuvre contrapuntique ». En effet, l’incroyable proéminence du finale provient d’un jeu contrapuntique presque fanatique qui rassemble les structures de toute la symphonie en une forme homogène et les mène ensemble dans une double fugue grandiose qui est unique, même pour Bruckner. Franz Welser-Möst, directeur musical du Cleveland Orchestra et de l’Opéra de Zurich, a fait venir son ensemble américain à Saint-Florian en septembre 2006 pour des représentations aux Internationales Brucknerfest Linz. Bruckner a écrit la Symphonie no 5 en 1875-1876, mais l’œuvre n’a été créée qu’en 1894, après avoir subi de nombreuses révisions par le compositeur.

Au programme de ce concert de l'Orchestre philharmonique de Berlin dirigé par Bernard Haitink avec, en soliste, le violoniste Frank Peter Zimmermann : l'Ouverture-Fantaisie Roméo et Juliette de Tchaïkovski, le Concerto pour violon n° 3 en sol majeur K. 216 de Mozart et le Sacre du Printemps d'Igor Stravinsky. Les Europakonzert de l'Orchestre philharmonique de Berlin sont une contribution de la célèbre formation à l'Union Européenne. Ils ont lieu toujours le 1er mai, date anniversaire de la création de l'Orchestre en 1882 et, à chaque fois, dans une ville différente. En 1993, ce fut à Londres, au Royal Albert Hall.

Santtu-Matias Rouvali dirige l’Orchestre symphonique de Gothenburg et le chœur masculin Orphei Drängdar dans une performance de Kullervo, op. 7 de Jean Sibelius. Les solistes sont Johanna Rusanen-Kartano et Ville Rusanen. L’œuvre est une suite de mouvements symphoniques souvent qualifiée de symphonie chorale. Toutefois, l’œuvre évite les structures traditionnelles de la symphonie, et ces cinq mouvements forment une série de poèmes symphoniques indépendants. L’œuvre comprend une section pour chœur d’hommes ainsi que des solos pour baryton et mezzo-soprano. L’œuvre a été présentée à seulement quatre reprises du vivant de Sibelius, le compositeur ayant refusé de la publier jusqu’en 1957, à la toute fin de sa vie. Enregistré au Gothenburg Concert Hall, en 2018.

Qui aurait cru qu’une demande d’emploi ratée nous aurait donné certaines des plus belles mélodies du répertoire classique? En 1721, Jean-Sébastien Bach se trouve insatisfait au service de prince Léopold d’Anhalt-Köthen et cherche à effectuer un changement de carrière. Désireux de travailler dans la cour de Christian Ludwig, margrave de Brandebourg, Bach lui dédie ses six nouveaux concertos, espérant ainsi amadouer le souverain et se voir offrir un nouveau poste. Malheureusement, Christian Ludwig n’a jamais même remercié Bach pour son travail, malgré la somptuosité incomparable de la musique du compositeur. Le Concerto no 2 pose un défi aux trompettistes d’aujourd’hui. Interprètes: Freiburger Barokorchester. Chef d'orchestre: Gottfried von der Goltz. Année: 2000

Au programme de ce concert de l'Orchestre philharmonique de Berlin dirigé par Bernard Haitink avec, en soliste, le violoniste Frank Peter Zimmermann : l'Ouverture-Fantaisie Roméo et Juliette de Tchaïkovski, le Concerto pour violon n° 3 en sol majeur K. 216 de Mozart et le Sacre du Printemps d'Igor Stravinsky. Les Europakonzert de l'Orchestre philharmonique de Berlin sont une contribution de la célèbre formation à l'Union Européenne. Ils ont lieu toujours le 1er mai, date anniversaire de la création de l'Orchestre en 1882 et, à chaque fois, dans une ville différente. En 1993, ce fut à Londres, au Royal Albert Hall.

Olena Tokar (soprano) et Igor Gryshun (piano) proposent un concert consacré au lied et au piano enregistré au Schinkel Pavillon de Berlin, le 30 mars 2020. Le programme débute par cinq pièces de Pauline Viardot : « Two Roses », « On Georgia’s Hills », « Evening Song », « The Gardener », et « The Mermaid’s Song ». Gyshun interprète ensuite des œuvres pour piano solo, notamment les Impromptus no 2 et no 3 (op. 90) de Schubert, et La Sonate pour piano no 4 (op. 30) de Scriabin. Le programme se poursuit avec les Chants tziganes (op. 55) de Dvořák, et se termine par quatre pièces de Tchaïkovski : op. 57/1, op.63/2, op.38/2 et op.47/6.

The Feeling of Going est une production théâtrale à grande échelle au visuel impressionnant. Elle a été créée par le chorégraphe Ben Wright à partir du fascinant album GO de Jónsi, artiste principal du groupe Sigur Rós. Les chansons sont interprétées par des chanteurs de l’Opéra de Malmö et par Moto Boy, un artiste solo de renom. La trame musicale orchestrale est interprétée par l’Orchestre de l’Opéra de Malmö. Ce ballet a été chaudement accueilli tant par la critique que par le public. Plongez avec nous dans cette odyssée onirique dans un monde extraordinaire où tout peut arriver. Capté à l’Opéra de Malmö (Suède) en 2017.

André de Ridder dirige l’Orchestre symphonique de Göteborg dans une performance de Three Places in New England de Charles Ives enregistrée le 11 avril 2018 au centre de concerts de Göteborg, en Suède. Écrite entre 1911 et 1914, Three Places in New England est une composition pour orchestre en trois mouvements affichant une structure lent-rapide-lent. Ives y paraphrase diverses chansons folkloriques américaines qui offrent un point de référence à l’auditeur, malgré le recours à un chromatisme avant-gardiste. Au fil des trois mouvements faisant référence à des lieux existants en Nouvelle-Angleterre, le compositeur tente de brosser un portrait du mode de vie et du patriotisme américains au tournant du 20e siècle. L’œuvre d’une durée d’environ 20 minutes est devenue l’une des pièces d’Ives les plus souvent présentées, et comprend des traits caractéristiques de son style, notamment des textures superposées aux mélodies multiples, des hymnes et des marches reconnaissables, des groupes de sons et des contrastes textuels marqués.